바로크 음악
바로크 음악은 17세기와 18세기의 유럽 음악을 말합니다. 바로크는 원래 17세기와 18세기의 예술 스타일을 의미했지만, 1600년경부터 1750년까지의 음악도 이 이름으로 불립니다. 르네상스 음악의 다음 시대로, 갈란트 스타일이라는 짧은 전환기를 거쳐 클래식 음악이 이어집니다. 바로크 시대는 1580년부터 1630년까지의 초기, 중기, 후기 바로크 시대는 1630년부터 1680년까지의 중기 바로크 시대, 후기 바로크 시대는 1680년부터 1750년까지의 후기 바로크 시대로 다시 나눌 수 있습니다. 바로크는 원래 포르투갈어로 '진 진주'를 의미하지만 철학적 용어를 통해 현재의 사용법에 도달했습니다.
바로크 음악은 절대 군주제에서 계몽주의로의 전환은 바로크 음악의 역사적 배경에서 정치적으로 볼 수 있으며, 철학사에서 중상주의의 경제적, 합리주의적, 계몽주의의 흐름에서 볼 수 있습니다. 이러한 사회적 상황은 궁정, 도시, 교회의 세 가지 활동 범위를 기반으로 바로크 음악을 형성하기 위해 여러 차례 중첩되었습니다. 그러나 이 시기의 음악은 연속 저음의 기법을 사용했기 때문에 바로크 음악의 시대를 '연속 저음의 시대'라고 부르는 사람들도 있습니다. 바로크 음악은 '감정 이론', 즉 '음악의 궁극적인 목적은 소리의 리듬, 멜로디, 화음, 음정으로 모든 감정을 생성하는 것'이라는 독특한 타격 미학적 관점이 뒷받침합니다.
바로크의 어원
바로크 음악이라는 용어는 약 1600년부터 1750년까지 150년 동안 음악의 스타일을 지칭하는 데 사용되었지만, 역사가들마다 그 사용법은 약간씩 다릅니다. 바로크라는 단어는 건축에서 처음 사용된 것으로 널리 알려져 있지만, 실제로는 1733년 10월 초연된 장 필립 라모의 오페라 "Ifolit and Arashi Hippolyte et Aricie"에 대한 익명의 비평에서 사용되었습니다. 1734년 머큐리 드 프랑스 저널에 실린 이 비평에서 바로크라는 단어는 오페라의 일관되지 않고 불협화음이 나는 멜로디, 끊임없이 변화하는 박자와 작곡, 그리고 매우 빠른 곡의 빠른 진행을 비판하는 데 사용되었습니다.
음악가이자 철학자인 장 자크 루소는 1768년 그의 저서 백과전서에서 이렇게 썼습니다. 바로크 음악은 혼돈의 조화, 변조, 불협화음으로 가득 찬 음악을 말합니다. 이 노래는 성가시고 비정상적이며 정확한 음정으로 부르기 어렵습니다. 움직임도 단조롭습니다. 철학자들이 '바로코코'라는 단어에서 유래했습니다. 루소가 사용한 바로코라는 단어는 원래 철학자들이 13세기 이후 불필요하게 복잡한 학문적 논쟁을 지칭하는 용어인 삼단 논법의 유형을 외우는 데 사용되었습니다.
음악사학자들은 음악 시기를 구분하기 위해 이 단어를 사용하기 시작했습니다. 커트 삭스는 하인리히 뵐플린의 바로크 미학 이론에 등장한 다섯 가지 특징을 음악 시기 분류에 처음으로 적용했습니다. 학자들은 곧 색스가 뵐플린의 이론을 적절히 사용했는지 여부를 검토하기 시작했고, 독일의 만프레드 부코 저와 벨기에의 수잔 크룩스는 삭스와는 별도로 엄격한 분석을 통해 바로크 음악의 시대 구분을 제안했습니다. 바로크 음악이라는 용어가 동시에 제안되었기 때문에 시대 구분에 대한 합의가 필요했습니다. 영국에서는 바로크 음악의 시대 구분이 1940년에야 인정되었습니다. 1960년까지 시기에 대한 합의는 이루어지지 않았습니다. 특히 자코모 페리, 도메니코 스카를라티, 요한 세바스찬 바흐의 음악은 영국과 프랑스에서 매우 다르지만 한 시간으로 분류하는 것이 적절한지에 대한 의문은 계속되었습니다. 그러나 바로크 음악이라는 용어는 결국 도입되어 르네상스 음악과 클래식 음악의 명백한 차이점을 구분하는 데 여전히 널리 사용되고 있습니다.
바로크 음악의 역사
바로크 음악은 르네상스 말기, 지오반니 드 바르디의 후원 아래 인문학자, 시인, 음악가들은 카마타라는 그룹을 결성하여 음악과 연극에 대한 다양한 논의를 이어갔습니다. 그들은 고대 그리스 음악극을 최고의 예술로 보고, 다성음악과 기악음악을 거부하고 키타라 반주에 맞춰 독주자가 부르는 음악인 모 노디라는 개념을 발전시켰습니다. 자코모 페리는 오페라와 바로크 음악의 시작을 알리는 "다프네 다프네"와 "유리디체 에우리디체"에서 이 개념을 소개했습니다.
피렌체에서 모노디가 발전했을 때 조반니 가브리엘리를 비롯한 베네치아 밴드에서 기악 음악이 발전했습니다. 여기서 더 풍부한 음악, 판타지, 칸톤이 발전했고 독일의 하인리히 슈츠는 이 베네치아 밴드의 음악을 배우고 독일에 새로운 음악을 전파했습니다. 또한 이 시기에는 다성음악의 뿌리를 이루며 화성의 중요성을 강조하는 토닉 베이스가 유럽 전역으로 확산되고 있었습니다. 이 토닉 베이스를 본 하프시코드, 파이프 오르간, 류트 연주자들이 즉흥적으로 목소리를 내어 베이스라인을 만들었습니다. 카를로 예수 알도와 같은 작곡가들은 자연스럽게 화성의 진행에 주목하게 되었고, 세트온 음을 악마의 음정으로 분류하는 등 가시적인 연구 결과도 나오고 있었습니다. 그 결과 음악은 자연스럽게 멜로디가 아닌 음색에 기반한 작곡을 따라가면서 시대의 격변을 초래했습니다. 작곡가들은 작곡의 의미를 위해 멜로디를 넘어선 화성의 진행에 대해 우려하게 되었고, 종지와 같은 작곡 기법이 작곡을 더욱 명확하게 만드는 것처럼 보였습니다.
이 음악적 변화는 클라우디오 몬테베르디에서 절정에 달합니다. 몬테베르디는 르네상스 시대의 다성음악과 연속극을 변형하여 각각 프리마 프락티카와 세컨다 프락티카 장르를 개척했습니다. 이러한 새로운 시도는 "오르페오 로르페오"와 "포페아 로인코나치 오네 디 포페아의 대관식"에서 분명하게 드러났으며 비평가들의 주목을 받는 데 성공했습니다. 몬테베르디는 바로크 시대를 연 것으로 평가받고 있습니다. 음악가들이 화성의 진행에 주의를 기울이면서 관용적인 화성 방식의 사용이 증가하기 시작합니다. 류트에서는 불협화음을 불규칙하게 넣는 기법이 등장하고, 루이 쿠프랭과 장레옹 달랑디르가 쳄발로에 이 연주 방식을 도입했습니다. 이러한 영향은 나중에 요한 세바스찬 바흐와 프레데릭 쇼팽의 음악에서도 발견되었습니다.
루이 14세로 대표되는 절대 군주제 시대가 시작되면서 궁정에 집중하기 시작합니다. 그 결과 음악의 중심이 자연스럽게 교회에서 궁정으로 옮겨갔고, 큰 교회 복도가 아닌 궁정 방에서 연주하기에 적합한 실내악이 탄생했습니다. 장 밥티스트 륄리는 이 시기의 대표적인 작곡가였습니다. 륄리는 당시 프랑스 궁정에서 고용된 유일한 작곡가였으며 최초의 지휘자 중 한 명이었습니다. 당시 그는 길쭉한 지팡이로 박자를 이끌고 지휘했다고 합니다. 륄리는 현악을 중심으로 오케스트라를 결성했으며, 이들의 조합은 이후 이탈리아 오페라를 통해 근대까지 이어졌습니다.
이탈리아에서는 1630년대 칸타타, 오라토리오, 오페라 등 새로운 보컬 형태가 등장했고, 가사에 맞춰 멜로디와 하모니를 배열하는 기법인 톤 페인팅의 발명이 큰 호평을 받고 있습니다. 더 단순하고 짧은 멜로디가 등장하고 사라반드나 쿠랑트와 같은 춤과 잘 어울리는 리듬이 생기기 시작합니다. 화음도 간단하고 가벼워지며 연속 베이스가 사용된 베이스라인이 독립적인 목소리로 기능하기 시작합니다. 화음의 사용이 단순화되면서 레치타티보와 아리아가 독립적인 음악 형식으로 등장합니다. 자코모 카리시미의 오라토리오인 프란체스코 카발리의 오페라가 유명합니다.
이 기간 동안 아르칸젤로 코렐리는 새로운 바이올린 연주 기법과 교수법을 개발하여 앙상블 협주곡과 같은 악기로만 구성된 음악을 작곡하기 시작했습니다. 궁정 내에서만 활동한 룰리에 비해 코렐리는 유럽 전역에서 악보를 출판하고 콘서트를 개최하는 데 활발히 활동하고 있습니다. 코렐리는 협주곡과 트리오 소나타에서 빠른 악장과 느린 악장을 번갈아 가며 음량의 급격한 변화를 보였고, 이는 그의 제자 안토니오 비발디에게 이어졌고 이후 소나타 스타일의 표준이 되었습니다. 반면 독일에서는 디트리히 북스테후데가 교회 음악의 전통을 이어가고 있습니다. 북스테후데는 교회에 임명되어 다양한 전례에 따라 음악을 작곡하며 전통을 이어가고 있습니다. 교회 밖에서는 아벤트묵이라는 이름의 콘서트가 기획되었는데, 여기서 출판된 종교 연극이 오페라와 유사하다는 견해가 있습니다.