교향곡 형식의 역사
교향곡은 오케스트라를 위한 음악의 한 형태입니다. 많은 교향곡은 소나타 형식의 단일 악장으로 구성되어 있으며, 음악학자들은 종종 이를 클래식 음악의 구조라고 설명합니다. 그러나 요제프 하이든, 볼프강 아마데우스 모차르트, 루트비히 반 베토벤과 같은 클래식 음악가들의 교향곡 중 일부는 이 형식을 따르지 않았습니다. "교향곡"이라는 뜻의 'symphone"sms 그리스어에서 유래한 단어로, "소리의 조화" 또는 "성악 또는 기악 연주회"를 의미합니다. 세비야의 이시도르는 이중 가죽 드럼을 지칭하는 라틴어 "교향곡"을 처음으로 사용했습니다. 약 1155년에서 1377년 사이에 "교향곡"이라는 단어의 프랑스어 형태는 "오르간 연주자" 또는 허디디의 이름이었습니다. 중세 후기 영국에서는 위의 두 가지 의미를 모두 의미하는 "교향곡"이 사용되었지만 16세기에는 건반 악기 덜시머와 동의어가 되었습니다. 독일에서는 16세기말부터 18세기까지 "교향곡"이 건반 악기 스피넷과 교향곡을 총칭하는 용어였습니다.
이 단어를 "함께 소리"라는 의미로 사용한 것은 16세기와 17세기 작곡가들의 일부 작품에서 나타납니다. 예를 들어 지오반니 가브리엘리의 "사크라 심포니아", "교향곡 사크라, 아드리아노 반키에리의 "신포니에 경건", 로도비코 그로시 다 비아다나의 "교향곡", 하인리히 슈츠의 "교향곡 사크라" 등이 있습니다. 바로크 시대였던 17세기에 교향곡과 신포니아는 오페라, 소나타, 협주곡과 같은 기악곡 등 다양한 작품에서 사용되는 단어였습니다. 오페라 신포니아 또는 이탈리아 스타일의 전주곡은 18세기에 세 가지 대조되는 부분의 표준 형식을 형성했습니다. 이 형식은 종종 관현악 교향곡의 직접적인 시작으로 간주됩니다. 18세기에는 "전주곡", "교향곡", "신포니아"가 상호 교환 가능한 단어로 널리 여겨졌습니다. 이 외에도 교향곡의 주요 기원은 현악과 연속체를 위한 협주곡과 비슷하지만 상대적으로 덜 연구된 리비뇨 협주곡입니다. 최초의 리비뇨 협주곡으로 알려진 것은 1698년에 만들어진 주세페 토렐리의 6번 5번입니다. 안토니오 비발디도 이러한 유형의 작품을 작곡했습니다. 아마도 가장 잘 알려진 리비뇨 협주곡은 요한 세바스티안 바흐의 브란덴부르크 협주곡 3번일 것입니다.
18세기 교향곡
초기 교향곡은 '서곡', '리피에노 협주곡'과 함께 세 가지 악장으로 구성되어 있으며, 박자는 '빠르고 느린 빠르기'였습니다. 그러나 이러한 교향곡에서는 보통 리토르넬로 스타일의 협주곡을 사용하는 리피에노 협주곡과 달리 적어도 첫 번째 악장은 두 박자의 형태였습니다. 교향곡은 연극의 도입부가 아니라 연주곡 자체였던 이탈리아 전주곡과도 다릅니다. 원래의 전주곡은 나중에 교향곡으로 사용되거나 그 반대로 사용되었습니다. 이러한 초기 교향곡 대부분은 장조였습니다. 이 시대의 교향곡은 연주, 오페라, 교회 음악 등 공연의 주요 작품이 아니었습니다. 보통 협주곡과 함께 제공되며, 다른 작품들 사이에 곡을 나누어 삽입하거나 모음이나 전주곡으로 작곡했습니다. 성악이 주를 이루었고 교향곡은 전주곡, 막간곡, 후주곡으로 사용되었습니다. 이 시기의 교향곡은 비교적 짧았고 10분에서 20분 정도 지속되었습니다.
오페라에서 서곡이나 막간극으로 자주 사용되던 '이탈리아' 교향곡은 표준 3악장 작품이 되었습니다. 빠르고, 느리고, 빠른 악장이 나옵니다. 모차르트의 초기 교향곡도 이 편곡을 따랐습니다. 초기 3악장 교향곡은 4악장 형식으로 대체되어 18세기 후반부터 19세기까지 계속되었습니다. 교향곡 스타일은 독일 스타일의 영향을 받아 나중에 하이든과 모차르트의 '고전적 스타일'이 되었습니다. 일반적인 형식은 4악장의 교향곡 형태로 시작하는 알레그로, 느린 악장, 미뉴엣 또는 스케르초, 알레그로나 론도가 있습니다. 이러한 편곡에서도 변형이 흔했습니다. 중간에 두 악장의 순서를 바꾸거나 첫 악장 앞에 느린 도입부를 넣었습니다. 세 번째 악장에 미뉴에트를 처음으로 도입한 교향곡은 1740년 게오르그 마티아스 몬의 'D 장조'라고 불리며, 네 번째 악장에서 미뉴에트를 양식한 최초의 음악가는 요한 스타미츠로 알려져 있습니다.
초기 교향곡 작곡은 비엔나와 만하임에 중점을 두었습니다. 비엔나에서 이 스타일을 지원한 음악가로는 게오르그 크리스토프 바겐잘레, 벤첼 라이문드 버크, 게오르그 몬 등이 있으며 요한 슈타미츠는 만하임 오케스트라에 소속되어 있습니다. 그러나 조반니 바티스타 삼마르티니, 안드레아 루체시, 안토니오 브리오쉬, 북독일의 칼 필립 엠마누엘 바흐, 잘츠부르크의 레오폴드 모차르트, 파리의 프랑수아 조셉 고섹, 요한 크리스티안 바흐, 런던의 칼 프리드리히 아벨 등 유럽 전역에서 교향곡이 작곡되었습니다. 그 이후로 비엔나의 중요한 교향곡 작곡가로는 요한 바티스트 반 할, 칼 디터스 폰 디터스도르프, 레오폴드 호프만 등이 있습니다. 18세기 후반 가장 중요한 교향곡은 36년 동안 최소 108편의 교향곡을 작곡한 조셉 하이든의 것이었습니다. 볼프강 아마데우스 모차르트는 24년 동안 최소 56편의 교향곡을 작곡했습니다. 주요 작품으로는 하이든 94 "서프라이즈", 101 "시계", 모차르트 40 및 41 "주피터"가 있습니다.
19~20세기 교향곡
19~20세기에는 전문 오케스트라의 등장으로 교향곡은 1790년에서 1820년 사이에 콘서트에서 가장 중요한 자리를 차지하게 되었습니다. 베토벤은 교향곡을 더욱 발전시켰습니다. 베토벤의 교향곡 3번은 이전 작품들과 스케일과 감정적 편곡에서 극명한 차이를 보여줍니다. 교향곡 9번은 교향곡 중 거의 최초로 성악 솔로와 합창을 4악장에 포함시켰습니다. 다니엘 슈타이벨이 4년 전인 1820년 피아노 협주곡에 맞춰 성악 합창을 작곡했습니다. 애초에 베토벤의 교향곡 9번을 '합창 교향곡'으로 부른 엑토르 베를리오즈는 로미오와 줄리엣 종합 보고서 서문에서 자신의 의도를 다섯 단락으로 설명하며 이 개념을 고안했습니다. 베토벤과 슈베르트는 일반적으로 사용되는 우아한 미뉴에트 대신 스케르초를 더 생동감 넘치게 사용했습니다. 베토벤의 교향곡 6번 '모두'는 마지막 악장 앞에 '폭풍' 부분이 헤드라인을 장식했습니다. 또한 음악의 헤드라인이기도 한 베를리오즈의 '환상의 교향곡'은 5악장으로 구성되어 있으며 행진곡과 왈츠가 포함되어 있습니다.
로버트 슈만과 펠릭스 멘델스존은 교향곡에서 낭만주의 음악의 조화로운 표현을 발전시킨 독일의 대표적인 음악가입니다. 프랑스의 엑토르 베를리오즈, 헝가리의 프란츠 리스트 등 매우 뚜렷한 제목의 교향곡을 작곡한 음악가도 있습니다. 니콜라이 림스키 코르사코프는 이 예를 따라 러시아에서 교향곡 모음곡 '안타르'와 '세헤라자데'를 작곡했습니다. 슈만과 멘델스존이 시발점인 요하네스 브람스는 매우 높은 수준의 구조적 통일성으로 교향곡을 작곡했습니다. 19세기말 중요한 교향곡을 작곡한 다른 음악가로는 안톤 브루크너, 안토닌 드보르작, 표트르 일리치 차이코프스키 등이 있습니다.
구스타프 말러는 20세기 초에 길고 큰 교향곡을 작곡했습니다. 그의 교향곡 8번은 최대 1,000개의 교향곡과 합창단을 수용할 수 있기 때문에 "천상의 교향곡 1번"이라는 별명을 가지고 있습니다. 슈트라우스는 교향곡의 형식을 사용하여 교향곡을 작곡했습니다. 교향곡의 스타일과 내용도 20세기에 많은 변화를 보였습니다. 드미트리 쇼스타코비치, 세르게이 라흐마니노프, 칼 닐센과 같은 음악가들은 전통적인 4악장 형식을 계승했지만 장 시벨리우스의 교향곡 7번, 알란 호바네스의 교향곡 9번 생 바르탄, 등이 24악장으로 다양한 접근 방식을 취했습니다.