고전주의 음악
고전주의 음악은 1750년경부터 1810년까지 주로 오스트리아 빈에서 발전한 서양 음악 경향을 말합니다. '고전'이라는 단어는 이미 '모범적인 예술, 균형 잡힌 형식, 누구나 쉽게 이해할 수 있는 성격, 초월적인 성격'을 포함하고 있어 질적 가치를 내포하고 있습니다. 고전주의 음악의 개념을 처음 사용한 음악가는 독일 문학에서 바이마르 고전주의를 모델링하여 하이든과 모차르트의 음악을 고전으로 명명한 루트비히 반 베토벤입니다. 고전주의의 개념이 음악에 처음 등장했을 때는 시대의 개념으로 사용되지 않고 하이든, 모차르트, 베토벤의 음악을 다른 음악과 구별하는 질적 개념으로 사용되었습니다. 1800년대 초 이들의 교향곡이 공연장의 모델 레퍼토리로 고정되면서 E.T.A. 호프만 등 사람들은 기악곡의 정점으로 평가했습니다. 반 할, 보케리니, 클레멘티, 케루비니, 무리도 하이든, 모차르트, 베토벤과 같은 작곡 스타일을 사용했기 때문에 '고전'은 음악사에서 시대의 집합적 개념으로 사용되었습니다.
고전주의 음악은 '자연스러움', '단순함', '보편성'을 강조한 결과입니다. '자연스러움'은 이해하기 어려운 변화나 이론적 난이도로 억지로 듣지 않는 감정적으로 자연스러운 '함께 느끼는' 방식을 추구합니다. '단순함'을 추구하는 것이 예술 음악 민요의 출발점이 됩니다. '보편성'은 세상 누구나 이해할 수 있는 세계성을 지향합니다. 물론 이 아이디어는 초기에만 강력했고 시간이 지남에 따라 약화되어 베토벤과 같은 예술가의 독창성과 작업성을 강조했습니다. 고전주의 음악의 특징으로는 주삼음을 중심으로 한 기능적 화성법의 확립, 주음과 주음을 중심으로 한 소나타 형식의 첫 번째와 두 번째 주제의 구성, 주제를 유기적으로 발전시키는 교향곡, 협주곡, 실내악, 독주곡 등의 음악 형식의 창작 등이 있습니다.
고전 시대의 디딤돌이 된 바로크 시대와 고전 시대 사이의 시기를 전고 전 시대라고 합니다. 로코코 음악은 18세기의 화려한 궁중 생활을 반영한 것이지만, 로코코 시대의 경쾌하고 우아한 스타일은 '갈랑 스타일'이라고 불리며 대위법에서 조화로운 방식으로의 전환을 의미하며 섬세하고 우아한 멜로디, 간결한 형식, 세속적이고 사회적인 특징을 가진 작은 조각들이 특징입니다. 이 스타일의 대표적인 예로는 18세기 중반 프랑스 클라브시니스트 프랑수아 쿠프랭, 장 필립 라모의 작품이 있습니다. 그리고 18세기 후반에는 빌헬름 프리데만 바흐, 칼 필립 엠마누엘 바흐, 게오르그 벤다, 요한 요아힘 크반츠로 대표되는 자연스럽고 풍부한 감정 과잉 스타일이 북독일에서 발생했습니다.
초기의 고전파
18세기 중반 바흐와 헨델이 완성한 바로크 시대부터 하이든과 모차르트가 새로운 정점을 형성하기까지의 기간을 전고전적 또는 초기 고전이라고 하며, 뚜렷한 과도기적 성격을 가지고 있습니다. 고전주의 음악의 발전은 주로 기악 음악 분야에 있었지만, 이 시기에 소나타는 교향곡이나 실내악에서 알레그로, 안단테, 미뉴에트, 알레그로의 네 악장으로 점차 고정되어 있음을 알 수 있습니다. 그중 소나타 형식의 성장과 함께 1악장의 비중이 높아졌고, 바로크 시대의 댄스곡 형식인 미누에트가 3악장을 맡게 되었습니다. 오케스트라 분야에서는 기존에 연속 베이스 악기로 사용되던 쳄발로가 사라지고 현악기를 주축으로 한 현대적인 투피스 형식이 형성되었습니다. 이에 따라 앙상블 기법, 음량 변화, 악기 연주 방식 등에서 새로운 표현이 개발되었습니다. 건반 음악에서는 쳄발로나 클라비코드보다 피아노의 사용이 더 많이 증가했습니다. 또한 이 시기에 고전주의 음악을 형성한 세 가지 기본 표현이 등장했는데, 음악에서 로코코 스타일이라고 할 수 있는 갈란트 스타일, 과감성 스타일, 동명의 문학 악장에도 해당하는 것으로 생각되는 스투름 운트입니다. 이 새로운 스타일은 이탈리아, 오스트리아, 만하임, 베를린, 파리, 런던에서 널리 성장했습니다.
고전파 시대의 성악
고전파 시대의 성악에서 헨델은 영국으로 귀화한 후 영국에서 이탈리아 오페라의 대표주자로 꼽혔지만, 결코 개혁가는 아니었고 확립된 형식을 이용해 정점을 찍고 있었습니다. 그의 오페라는 아리아에서 각 분위기를 순수하게 추출하고 묘사하며 이탈리아 벨 칸토 스타일과 독일 스타일의 강력한 내면 묘사를 간단하고 명확한 형식과 정확한 건설적 계획으로 결합한 것에 기반을 두고 있었습니다. 18세기 이탈리아에서는 나폴리타니아주 의가 오페라 전성기를 맞이했습니다. 아리아와 레치타티보의 두 스타일이 명확하게 분리되어 레치타티보에서 극적인 발전이 이루어졌고 아리아에서는 감정 표현이 돋보였습니다. 다양한 형태의 아리아가 만들어졌고, 아리아는 오페라의 많은 부분을 차지하며 작품 전체 구성에서 불균형을 겪었습니다.
또한 명예로운 기법을 가진 가수가 환영받았고 점차 가수의 기법을 위한 오페라로 변모했습니다. 시인 츠네오와 메스타지오가 비극적인 오페라 스타일에서 희극적 요소를 분리했을 때 코믹 오페라는 각국에서 독자적인 스타일을 발전시켰습니다. 즉, 이탈리아 오페라 부파, 프랑스 오페라 코미크, 영국 발라드 오페라, 독일의 깅스필 등이 그 예입니다. 이들은 누구에게나 공통적인 것을 가진 간단하고 이해하기 쉬운 음악 유형이 동반되었습니다. 크리스토프 빌리발 글럭은 이탈리아 오페라에 반대하여 음악은 시를 따라야 한다고 주장하며 가수들이 필요 이상의 음악적 장식을 과시하거나 공연하는 것을 배제하고 레치타티보, 오케스트라 또는 합창단의 표현력을 높여 간단하고 자연스러운 표현의 극적 효과를 높이려고 시도했습니다.